Опыт работы в крупном музее 12 лет,
из них 6 лет — хранитель. Создаю тексты об искусстве, консультирую художников, сотрудничаю с галереями. Автор и ведущая арт-клуба "Ласточка".
Окончила факультет теории и истории искусств Санкт-Петербургской Академии Художеств (СПбГАИЖСА им. И.Е. Репина). В настоящее время работаю над кандидатской диссертацией.
Санкт-Петербург
Сергей Судаков
Галерея L.E. Gallery,
Санкт-Петербург
Писать тексты о художниках — для выставки или в каталог. Корректировать портфолио, artist statement, текст для подачи проекта на грант/конкурс. Читать лекции и выступать спикером.
Сергей Судаков
Галерея Открытый клуб,
Москва
Эссе
Санкт-Петербург
о современном искусстве
Приглашаю вас на новые встречи клуба! Мы с вами вдумчиво поговорим об искусстве — вам будет интересно послушать, а мне интересно поделиться.
«Синяя»
Николай Владимиров — современный художник, который выступает в жанре танцевального перформанса, соединенного с живописью. Звучит как что-то футуристическое, как новый вид медиа в мире художественных практик. И ощущения Вас не подводят. Николай называет свой жанр — «брейкинг-живопись». Термин объемно раскрывает суть — соединение танца и искусства. Это два «слона», на которых зиждется мироощущение художника.
Еще одно важное направление в творчестве Николая Владимирова — перьевая графика «никусизм». Он сам придумал это название, которое, как можно заметить, содержит в себе первый слог имени Николая и «–изм», привычный суффикс, образующий названия стилей в современном искусстве.
Художник Николай Владимиров творит настоящий момент. Каждая его работа, созданная как брейкинг-живопись, отражает «сейчас» и называется временем и датой, когда она появилась на свет («19.57 29.03.2024», 2024). Авторское название перформансов — «Сейчас навсегда».
28 марта 2024 года Николай открывал своим выступлением московскую ярмарку искусства Art Russia. Вот, как происходило таинство перформанса:
Николай на мгновение замирает, прекратив всякое внешнее движение, сосредотачивается, а потом… Едва уловимый жест руки мастера и на раскатанном белом холсте появляется первая линия. Николай улыбается, ловит ритм музыки (всё происходит под аккомпанемент фортепиано) и буквально «воспаряя» в танце над плоскостью холста, наносит краски, одну за другой. Важное значение имеет одежда, которую художник использует во время перформансов — это белые кеды, штаны и футболка. По мере продвижения работы, одежда, как и холст, покрывается цветными линиями и узором пятен. Характер танца предполагает нанесение красок всем телом — искусство во все стороны! Особенно хороши пост-перформативные кеды. Николай хранит целую коллекцию пар, которыми «топтался» по холстам.
Линия — живой и очень важный элемент живописи Николая. По его словам, линия в искусстве подобна линиям на ладонях, уникальным и определяющим судьбу человека. Танец — это путь, который оставляет отпечаток в пространстве в виде линии витиеватой конфигурации. Так, холсты «Сейчас навсегда» навсегда сохраняют память о движениях танца, — метафорическом пути, пройденном художником в момент творения.
Идея синтезировать танец и искусство родилась из интуитивного желания художника не разделять эти виды деятельности, а выбрать их обе. Первые опыты брейкинг-живописи Николай предпринял в 2019 году, в рамках Тавриды Арт. Тогда выступление состоялось под барабанные ритмы, что дало понимание, — музыка — это энергия, которая также участвует в процессе создания холста.
Современному художнику — современный танец. Николай много лет занимается брейк-дансом. Вопреки буквальному значению, «ломаный» танец, в исполнении Николая, он очень органично сочетается с пространством и выстраивается в непрерывную линию движений. В основе своей они угловаты, но сменяются в плавном ритме, будто бы в местах стыка появляются невидимые, очень подвижные «шарниры».
Ранние работы Николая — это графика, выполненная в духе дудлинга. Дудлинг (англ. — «каракули») — это форма искусства, подразумевающая бессознательное рисование линий во время параллельного занятия чем-либо. Причем, у Николая эти линии — острые по характеру, места пересечений также, как правило, образуют острые углы. В финале линии превращаются в сложно организованную линейную структуру, которая, тем не менее, содержит отголоски образов. Чаще всего это профили людей или фигура человека, которые могут быть как более абстрактными, так и вполне фигуративными («Рождение», 2015; «Детство», 2019). Спиралевидно закрученные мотивы присутствуют в работах начала 2010-х («Неопределенность», 2013), а затем трансформируются в определенные сферы. «Восходящая» (2019) — тройной «портрет» Солнца из мира никусизма. Эта работа метафорически описывает вхождение человека в большой мир.
В какой-то момент в монохромном мире никусизма появляется цвет (Странник, 2020). Это Красная линия, которая, затем станет мостиком к многоцветной «брейкинг-живописи» (Красная, 2023). В работах последних лет Линия занимает центральную часть холста, она подобна оси, на которую «нанизывается» вся композиция картины. Также, сейчас Николай соединяет графику и живопись, вмотируя «окошки» никусизма в вибрирующее цветовое полотно: «Два меня» (2021), «Мимолетность жизни» (2024) и «(Не)аллегория мечты» (2022).
Николай работает как в студии, так и на публике. Мастерски воздействуя на зрителей магией танца, весь сеанс «брейкинг-живописи» Николай фокусирует их внимание на себе и, частично, переносит этот общий настрой на холст. По словам художника, ему важен процесс создания, важно выразить свои чувства и восприятие момента «сейчас». Все вместе — и есть непрерывная линия Николая Владимирова.
«Скульптура. Что нового в Петербурге?»
25 февраля 2024
Скульптура сегодня переживает «второе рождение» на арт-сцене. Прошедший год выдался насыщенным на художественные события в Петербурге и много внимания было приковано к скульптурным объектам. Поговорим о реакции на установку памятника А. Блоку и конкурсный проект памятника Ф. Шаляпину. Обсудим всё, что было заметным в мире скульптуры за 2023 год: имена авторов, выбор тем, самые популярные материалы и способы их обработки.
«Мировоззренческие системы в творчестве современных авторов»
30 марта 2024
Любое произведение художника — его авторское высказывание. Это буквально его точка зрения и уникальный взгляд на мир. В формате медиации порассуждаем о шутливых и серьёзных «высказываниях» современных авторов. Попробуем разобраться, мировоззренческая система — это точка входа в творчество художника или это конечная точка, которая вбирает в себя всё его творчество?
«Женское искусство сейчас»
28 апреля 2024
Тема отношений женщины и искусства вновь актуальна и звучит всё громче. Художницы в своем творчестве часто обращаются к внутреннему состоянию, к рефлексии мимолётных движений души. Какие темы возникают сейчас в «женском искусстве», какие приёмы часто встречаются и какие общие тенденции наметились? Поговорим об этом на примере творчества резиденток Mauvais Ton.
«Маршрутный лист начинающего коллекционера»
2 июня 2024
Современное искусство стремительно стало очень модным и востребованным объектом коллекционирования. Как построить свой маршрутный лист в мире современного искусства? Выбирать всё по принципу нравится/не нравится или же изучить рынок и собрания известных коллекционеров? Как выстраивать маршрут «на местности»: идти в галерею, на арт-ярмарку или на… он-лайн аукцион? «Некуда повесить», «ещё одна керамика», «нет, это не вверх ногами» и прочие темы, которые возникают на пути молодого коллекционера... Поговорим о Ваших пристрастиях в мире современного искусства.
ТЕМЫ ВТОРОГО СЕЗОНА
«Современное искусство: диалог со зрителем»
20 октября 2024
Искусство способно выступать как медиум, связывающий художников и зрителей. При этом, время и обстоятельства места создают контекст восприятия искусства. Настоящее время определяет тот самый термин, который мы так любим — современное искусство. Что же в нём притягивает, а что — отталкивает? Почему некоторые выставки хочется посещать снова и снова, а некоторые не вызывают трепетных чувств? Если честно, универсального совета, как смотреть «современное искусство», нет. Как и не существует правил, по которым можно составить свое мнение об увиденном. Ясно одно: сейчас художники через искусство стремятся вступить в диалог со зрителем.
«Быстрое искусство»
17 ноября 2024
Мы постоянно находимся в потоке информации: лента новостей в соцсетях, встречи, зум-созвоны, приложения маркетов и… искусство. Каждая галерея, каждый музей, а также художники, имеют свои страницы в соцсетях. Точка притяжения внимания в любой публикации — это изображение. Ведь ещё каких-то 20 лет назад, чтобы посмотреть произведение искусства, нужно было идти в музей или галерею или обзавестись книгой с репродукциями. Теперь, в эпоху «быстрой информации» ускорилось всё, в том числе, искусство. Быстрое восприятие порождает быстрый спрос: живопись, графика, керамика, объекты — всё «мерцает» перед глазами зрителя в потоке новостной ленты. Так как же быть — смотреть всё, чтобы не пропустить ничего или «замедлиться» и не пытаться объять необъятное? И как изменились темы, которые волнуют художников?
«Сновидения как источник вдохновения и образов»
15 декабря 2024
Мы проводим во сне треть жизни, по статистике. С позиций искусства, мир сновидений — территория моментального творчества. Лёгкое касание вниманием и образ меняет свою форму, а окружающий ландшафт сменяется следующей декорацией. Художники порой обращаются к образам из сновидений и воплощают их в своих работах. Темы памяти и рефлексии так же переплетаются с картинками сновидений. Речь пойдет о произведениях, созданных по впечатлениям от снов, о выставках, которые рассказывают о памяти и ирреальных образах.
«Тенденции нового года»
8 января 2025
Вот уже 25 лет (четверть века!) мы живем в XXI веке. Искусство — чуткий камертон, который реагирует на любые изменения в атмосфере. Художники проводят через свое творчество новые идеи, веяния, откликаются на социо-культурные процессы и много, много эмоциональных состояний проживают внутри себя. В последние годы наметились некоторые мощные переходные процессы, которые также видны в искусстве настоящего момента, или, более привычно, в современном искусстве. Какие темы могут быть затронуты художниками в новом, 2025 году? Какие медиумы получат большую популярность? Абстракционизм или реализм, в конце-концов?.. И причем тут ИИ? Кроме того, посмотрим, какие выставки готовят крупные музеи и что в планах у галерей. Материалы встречи не предполагают 100% вероятность реализации, ведь всегда остается множество скрытых и неизвестных переменных, которые в том числе влияют на глобальный художественный процесс.
«Женские имена в скульптуре XXI века»
8 февраля 2025
Поговорим о современных женщинах-скульпторах и их роли в искусстве. О скульптуре в разных аспектах — творчество, эстетика, материалы.
ЗАКРЫТАЯ ВСТРЕЧА
«Современная керамика: pro et contra»
в мастерской Екатерины Шмелевой
26 июля 2025
программа на 2025-2026 гг. — в разработке
Арт-клуб
«Ласточка»
о современном искусстве
Линия — живой и очень важный элемент живописи Николая. По его словам, линия в искусстве подобна линиям на ладонях, уникальным и определяющим судьбу человека. Танец — это путь, который оставляет отпечаток в пространстве в виде линии витиеватой конфигурации. Так, холсты «Сейчас навсегда» навсегда сохраняют память о движениях танца, — метафорическом пути, пройденном художником в момент творения.
Идея синтезировать танец и искусство родилась из интуитивного желания художника не разделять эти виды деятельности, а выбрать их обе. Первые опыты брейкинг-живописи Николай предпринял в 2019 году, в рамках Тавриды Арт. Тогда выступление состоялось под барабанные ритмы, что дало понимание, — музыка — это энергия, которая также участвует в процессе создания холста.
Современному художнику — современный танец. Николай много лет занимается брейк-дансом. Вопреки буквальному значению, «ломаный» танец, в исполнении Николая, он очень органично сочетается с пространством и выстраивается в непрерывную линию движений. В основе своей они угловаты, но сменяются в плавном ритме, будто бы в местах стыка появляются невидимые, очень подвижные «шарниры».
Ранние работы Николая — это графика, выполненная в духе дудлинга. Дудлинг (англ. — «каракули») — это форма искусства, подразумевающая бессознательное рисование линий во время параллельного занятия чем-либо. Причем, у Николая эти линии — острые по характеру, места пересечений также, как правило, образуют острые углы. В финале линии превращаются в сложно организованную линейную структуру, которая, тем не менее, содержит отголоски образов. Чаще всего это профили людей или фигура человека, которые могут быть как более абстрактными, так и вполне фигуративными («Рождение», 2015; «Детство», 2019). Спиралевидно закрученные мотивы присутствуют в работах начала 2010-х («Неопределенность», 2013), а затем трансформируются в определенные сферы. «Восходящая» (2019) — тройной «портрет» Солнца из мира никусизма. Эта работа метафорически описывает вхождение человека в большой мир.
В какой-то момент в монохромном мире никусизма появляется цвет (Странник, 2020). Это Красная линия, которая, затем станет мостиком к многоцветной «брейкинг-живописи» (Красная, 2023). В работах последних лет Линия занимает центральную часть холста, она подобна оси, на которую «нанизывается» вся композиция картины. Также, сейчас Николай соединяет графику и живопись, вмотируя «окошки» никусизма в вибрирующее цветовое полотно: «Два меня» (2021), «Мимолетность жизни» (2024) и «(Не)аллегория мечты» (2022).
Николай работает как в студии, так и на публике. Мастерски воздействуя на зрителей магией танца, весь сеанс «брейкинг-живописи» Николай фокусирует их внимание на себе и, частично, переносит этот общий настрой на холст. По словам художника, ему важен процесс создания, важно выразить свои чувства и восприятие момента «сейчас». Все вместе — и есть непрерывная линия Николая Владимирова.
Николай Владимиров — современный художник, который выступает в жанре танцевального перформанса, соединенного с живописью. Звучит как что-то футуристическое, как новый вид медиа в мире художественных практик. И ощущения Вас не подводят. Николай называет свой жанр — «брейкинг-живопись». Термин объемно раскрывает суть — соединение танца и искусства. Это два «слона», на которых зиждется мироощущение художника.
Еще одно важное направление в творчестве Николая Владимирова — перьевая графика «никусизм». Он сам придумал это название, которое, как можно заметить, содержит в себе первый слог имени Николая и «–изм», привычный суффикс, образующий названия стилей в современном искусстве.
Художник Николай Владимиров творит настоящий момент. Каждая его работа, созданная как брейкинг-живопись, отражает «сейчас» и называется временем и датой, когда она появилась на свет («19.57 29.03.2024», 2024). Авторское название перформансов — «Сейчас навсегда».
28 марта 2024 года Николай открывал своим выступлением московскую ярмарку искусства Art Russia. Вот, как происходило таинство перформанса:
Николай на мгновение замирает, прекратив всякое внешнее движение, сосредотачивается, а потом… Едва уловимый жест руки мастера и на раскатанном белом холсте появляется первая линия. Николай улыбается, ловит ритм музыки (всё происходит под аккомпанемент фортепиано) и буквально «воспаряя» в танце над плоскостью холста, наносит краски, одну за другой. Важное значение имеет одежда, которую художник использует во время перформансов — это белые кеды, штаны и футболка. По мере продвижения работы, одежда, как и холст, покрывается цветными линиями и узором пятен. Характер танца предполагает нанесение красок всем телом — искусство во все стороны! Особенно хороши пост-перформативные кеды. Николай хранит целую коллекцию пар, которыми «топтался» по холстам.
«Непрерывная линия»
Каждая из работ серии «Воображаемое», выступая из сонма разрозненных чувств и эмоций, повествует об одном из состояний духа. Вместе они сливаются в единый хор глубинных переживаний человека. Внимание его расфокусировано: скульптуры выступают как аллегория множества смысловых точек, где ни одна не является центральной.
Обращаясь к человеческому телу, как к одному из прекраснейших творений природы, Сергей Судаков любуется каждой деталью: уникальная мимика лица, глаза, кисти рук с изящными пальцами, гибкие стопы ног… Когда скульптуры занимают свои места в пространстве, возникает чувство, что их сопровождает неслышимая, едва уловимая музыка, задавая ощущаемый только телом ритм.
Зрение, слух, осязание — формы контакта с внешним миром. Выходя из мира воображаемого в мир физический, герой Судакова как бы пробует его, мир, на вкус, «прислушивается» и «присматривается». При этом взор лика не направлен на что-то конкретное, он смотрит в целом, объемно воспринимая пространство перед собой. Скульптуру «Глаз» можно сравнить с всевидящим оком, которое в интерпретации художника словно «зажато» между двух вертикалей. Оно «подсматривает» за миром, сохраняя полную отстранённость. Особой драматичностью преисполнена работа, иллюстрирующая как рука тянется к веку гигантского Ока, чтобы раскрыть его. Не менее выразительна голова с завязанными глазами. Взор ее не виден, но явно чувствуется. Возможно, это центральное произведение в серии. То напряжение, которое оно создает в пространстве рядом с собой, ощутимо всем телом. Это ли не про контакт между воображаемым и реальным?
Дерево — излюбленный материал Сергея Судакова. В серии «Воображаемое» он использует ясень, красное дерево, дуб и березу. Разные породы дерева имеют разные рисунки волокон, которые активно участвуют в моделировке поверхности. Художник отходит от привычного метода: ни одна из скульптур серии «Воображаемое» не раскрашена и не покрыта маслом или воском. Они абсолютно обнажены перед зрителем. При этом они не беззащитны и имеют твердую опору в виде кубической формы, которая представляет собой своеобразный элемент заземления.
Почти всегда Судаков работает без подготовительного эскиза. Есть разрозненные наброски на листах бумаги, где зафиксирован общий абрис или положение фигуры. По словам автора, он видит в необработанном еще куске дерева образ будущей скульптуры. Слой за слоем снимая материал, он проявляет то самое, неявленное, воображаемое в нашем осязаемом, физическом мире. В процессе работы то, что недоступно материальному, становится осязаемым. Бесконечный материал Космоса, преломленный через призму внутреннего взора художника, обретает форму и структуру — становится сделанным произведением искусства.
Скульптор Сергей Судаков создает работы из серии «Воображаемое» как размышления о состояниях. Произведения сочетают в себе два состояния материи: с одной стороны, это проявленная часть (фигуративная), а с другой — ещё не проявленная в форме (кубический объем). Так, через метафору, художник доносит до зрителя мысль о дуальной природе вещей: материальное и воображаемое по сути едины и связаны чем-то большим, чего мы, быть может, не до конца понимаем, но можем прочувствовать. Кроме того, Судаков стремится уловить и показать зыбкий момент перехода материи из хаоса в ясную форму. В этой ирреальности эхом звучат идеи сюрреализма.
«Воображаемое»
Ирина Ионина — междисциплинарный художник. В ее проектах сочетаются различные медиа: объект, инсталляция, предметы прикладного искусства, рисунок, включения текстуальных форм, ассамбляжи… Излюбленный творческий метод художницы — тотальная инсталляция.
«Авосевы города не горожены» — народная пословица, упомянутая, в числе прочих, в словаре Даля в толковании слова «авось». Выставка с одноименным названием задумана художницей как презентация проекта «Неонеорусский стиль». Ирина Ионина исследует разрушающиеся деревянные здания — дачи и усадьбы, построенные на рубеже XIX-XX вв. в неорусском стиле. Большинство из них находятся в законсервированном состоянии, фасады затянуты зеленой строительной сеткой. В первоначальном значении фасадная сетка — это тот материал, тот мостик, что должен логически привести к реставрации. Но! По целому ряду причин (высокая стоимость проекта реставрации, подбор материалов, проведение работ в порой труднодоступных районах) архитектурные объекты находятся в замедленном процессе перехода из бытия в небытие. Этому есть специальный термин — «консервация объекта».
Упоминая «авось» нельзя обойти вниманием такой предмет, как авоська. Традиционные сумки, сшитые из вездесущей зеленой сетки, Ирина Ионина использует как ироничную отсылку к главному слову выставки. Так, авоськи, наполненные деревом и трухой разрушающихся дач и усадеб соседствуют с этикетками, где даны все толкования «авось» из словаря.
Тему остановленного или замедленного времени поддерживают «бусины» из эпоксидной смолы с неожиданным материалом сердцевины. Издалека они выглядят как янтарь или поделочный камень, но вблизи оказывается, что каждая бусина — это кусочек дерева, запечатанный в эпоксидную смолу. Деревянные частички подобраны художницей в разных усадьбах и теперь пребывают в состоянии вечного сна… В этом торжестве вечности явно звучат фольклорные нотки: можно провести параллель с спящей царевной, ожидающей пробуждения от поцелуя прекрасного царевича (прикосновения руки реставратора).
Тема перехода и пограничных состояний раскрывается через центральный объект выставки — «Тот и умён, кто красно наряжен». В руках художницы фасадная сетка трансформировалась в платье и кокошник, богато убранные эпоксидными «бусинами» и белой оторочкой. Работа апеллирует к очень глубинным ассоциациям, связанным с старинным русским культурным кодом, с фольклором. Сказочная царевна, кажется, мгновение назад покинула пространство экспозиции, оставив костюм как напоминание о себе. Он словно стал отпечатком памяти о хозяйке…
Состояние особого трепета возникает при взгляде на инсталляцию «Консервация руин». Позади, на стене — список утраченных архитектурных объектов с датами постройки и разрушения, составленный Ириной Иониной. «Консервация руин» фактически, моделирует в ускоренном ритме, по сравнению с замедленным в реальности временем, процессы разрушения старинных дач и усадеб. Домик пребывает в состоянии изменений и руинирования пока длится выставка. Торжественность момента нивелирует «музейное» ограждение в ироничном прочтении Иониной: деревянные треноги, используемые на улицах для ограждения опасных участков и красный канат, натянутый так низко, что через него можно переступить.
Искусство имеет образную природу. Если задуматься, что такое — образ? Это слово имеет тот же корень, что и «выразительность». По выражению Ю.М. Лотмана, для произведения искусства необходимо сочетание двух обстоятельств: элемента новизны, неожиданности и элемента традиционности. Работы Ирины Иониной как раз проявляют оба свойства: традиционный русский стиль, преломляясь через призму современности, становится «неонеорусским».
Ирина Ионина
Место: галерея Метамодернисты, Санкт-Петербург
Даты: 24.07.2024 — 11.08.2024
подробнее о проекте
«Авосевы города не горожены»
«Остров Беззаботности» даёт возможность ощутить тот самый дух свободы… По словам художницы, эта серия повествует о герое, который находит счастье в простых вещах, в контакте с природой. Кроме того, «Остров Беззаботности» — это очень личный авторский рассказ об извечной человеческой мечте о свободе и беспечной жизни.
Общий строй работ — мажорный. Художница ловко жонглирует оттенками лилового, голубого, бирюзового и тёплого кирпичного. Благодаря соседству этих цветов возникает эффект взаимного подсвечивания и подлинное ощущение светящегося тёплого южного воздуха. Так, роль света здесь на себя берет цвет. «Остров Беззаботности» — это вдумчивое исследование свойств воздуха и множества цветовых оттенков, их переливов, что таятся в тенях и на свету.
Все работы серии обладают декоративной выразительностью, которая строится в том числе на убедительном композиционном решении. Некоторое упрощение и лаконизм форм позволили художнице сосредоточиться на передаче внутренних ощущений, на энергии расслабления. Различные детали композиции соединены по коллажному принципу, к которому нередко прибегали французские мастера рубежа XIX-XX вв. Все вместе детали работ представляют собой связанную образную систему — стихийный ансамбль (в значении «стихия» — воздух или вода). Тонкими линиями штрихов художница размывает границы предметов и людей, вписывая их в окружающую среду. Этот же приём передает ощущение движения воздушных потоков.
Граница между миром отдыхающих на холстах Екатерины Слюниной и объективным миром зрителя — размыта. Зыбкий переход становится возможен в момент погружения в пространство полотна, когда всё внимание зрителя сосредоточено на его собственных переживаниях и воспоминаниях об отдыхе.
Во всех работах серии чувствуется некоторая иллюзорность реальности, рождаемая дрожанием воздуха в полуденный зной. Тёплые потоки перемешиваются с движением волн моря, что омывают пляж. Всё вместе, соединяясь, включается в определенный ритм… Ритм отдыха: чувство покоя и расслабления, а затем мерное движение в сторону бара за холодным напитком… Вот закричали чайки и мимо с хохотом пронеслись дети… Рай и изобилие!
Новая серия работ Екатерины Слюниной «Остров Беззаботности» посвящена теме лёгкости и отдыха. Идея родилась по пути домой из отпуска. Море, горы, воздух, дети, играющие на песчаном пляже — вся эта череда образов, кружа, сложилась в единую картину. Наброски были сделаны немедленно. Сколько в них заключено энергии моря!..
В «Острове Беззаботности» автор пересматривает свой творческий метод — появляется активный цвет. До этого момента все полотна Слюниной были выполнены в монохромной колористической гамме, с превалирующими серыми или синими тонами. Тонкая графика линий в сочетании со сдержанным цветом служили выражением ладно выстроенной авторской живописной системы.
Екатерина Слюнина (КАСЛ)
Место: арт-резиденция Mauvais Ton, Санкт-Петербург
Даты: 2.12.2024 — 08.12.2024
«Остров Беззаботности»
Римские императоры возводили масштабные термы, по образцу греческих, — огромные бани, которые становились центрами общественной жизни. Наиболее известные — это термы Диоклетана и термы Каракаллы, построенные в III-IV вв. н. э. В них проводили время в течение целого дня: вели переговоры, трапезничали, занимались спортом и плавали в бассейнах.
Кошки, верные спутники римской богини Либертас, нередко появлялись на щитах и штандартах римских легионеров, символизируя свободу. Несколько фелин заходят в пространство выставки, словно охраняя осколки разрушенной империи, и, в то же время, привнося дуновение воздуха свободы. Одна из кошек несёт в зубах маленького…бесёнка. Словно котёнок, он пытается вырваться, тщетно перебирая в воздухе лапками. Но ему не убежать. Так скульптор оставляет намёк на приписываемую кошкам магическую способность переходить границы объективного и непроявленного миров.
Приглушенный свет выхватывает из сумрака скульптуру, к которой приближаются кошки. Это фигура красноармейца с супругой, по общему впечатлению отсылающая к фотографиям начала XX века. Будто бы находясь на страже точки смены двух исторических эпох, эта пара становится для зрителя проводниками «в глубь веков». Момент исторического разлома свидетельствует и образ бесёнка. Он метафорически символизирует последний образ уходящего «темного» периода.
«Пловцы» Судакова служат как бы переходной формой от античной классики к современной скульптуре. Произведения автора — моментальные слепки, где в скульптурном материале запечатлены герои, остановленные в своем движении. Состояние внутренней тишины и сосредоточенность на движениях тела пловцов как нельзя лучше ассоциируются с ощущением растянутого или остановленного времени. Герои Судакова становятся способными чувствовать мир «на кончиках пальцев». Зыбкость, неопределенность момента смены среды с воздушной на водную становится образным выражением переходного времени.
Прыжок в воду — это прыжок в неизвестность. Бассейн, наполненный водой, можно сравнить с омутом памяти, коллективным бессознательным или непроявленным будущим, густо замешанным на вековой памяти людей и места. Так куда же готовятся совершить прыжок пловцы Судакова — в вечность или в новое время? Какие жемчужины добудут они на блистательном белом дне чаши бассейна — ветхие заветы старого мира или истины нового мира?
В новой серии скульптур «Пловцы» Сергей Судаков подходит к изображению пластики человеческого тела не из представлений «рафинированного» неоклассицизма, а напрямую — от живой натуры. Скульптор следует внутренней динамике человека, которая возникает в момент, когда принято решение совершить прыжок в воду. Лаконичные по форме, его пловцы вместе композиционно тяготеют к инсталляции и, как следствие, располагают к восприятию пространства как части художественного материала.
Герои Судакова готовятся к погружению в воду, стоя на капителях колонн витрувианского ордера разной степени руинированности. Эти детали архитектурной конструкции будто бы проступили сквозь толщу веков и, символизируя остовы старого мира, распавшейся римской империи, служат ступенью в новый мир/рим. Судаков мастерски передает переходное состояние своих героев, которые метафорически ныряют из одной среды (эпохи) в другую. Бассейн служит вневременным вместилищем, заполненным сонмом невидимых ещё образов. Погружаться на его дно или оставаться на поверхности — выбор ныряльщика.
Сергей Судаков
Место: галерея L.E. Gallery, Санкт-Петербург
Даты: 4.04.2025 — 15.05.2025
«Новый МИР/РИМ»
Живопись, как статическая форма искусства, не обладает подобным свойством. Многое в восприятии зависит от зрителя — внимание, настроение, контекст, подготовленность. В связи с чем впечатление от соприкосновения с произведением искусства может меняться. Это одновременно и преимущество, и поле для дискуссий. В рамках данного эссе мы обозначили основной ассоциативный ландшафт, возникший вокруг работ Дмитрия Макушина.
Природа, как и сказочная образность, в пейзажах Макушина, обладает особыми свойствами, своей мифологией и наполнена глубоким символизмом, обращённым к зрителю. Природа в его работах не просто фон, а равноправный участник повествования — живой организм, наполненный присутствием. Эти пейзажи не описывают мир, а приглашают к соучастию в нём.
Картины Дмитрия Макушина становятся медиаторами между зрителем и глубинным опытом — тем, что соединяет миф, слово и чувство. Его живопись не иллюстрирует сказку — она ею дышит.
Так где же можно встретиться со сказочными существами?
На этот вопрос отвечает картина Макушина «Задний двор» (Холст, масло. 2021). Первый слой образов ― изба из потемневших от времени брёвен, плотный ковёр разнотравья, густая зелень крон деревьев, плотно её обступивших, небо, исполненное багряных отсветов заходящего солнца. Спустя какое–то время, сквозь объекты реального начинает проступать иной слой ― «туманы», сон–трава, особая податливая материя. В этот момент приоткрывается полог, отделяющий сказочный мир от суетной городской жизни. Здесь обнаруживается излом реальности, пройдя через узкую расщелину которого, словно сквозь игольное ушко, можно оказаться там, где на границе между забытыми снами и поворотом событий виднеются духи места. Здесь зритель словно пересекает грань между миром людей и миром духов.
В точке излома, по мысли В.В. Дегтярёва, «поискав хорошо, мы обязательно найдём и русалок, и людей с пёсьими головами. <…> Особенно, если ввести в модель совершенного мироздания фактор времени. <…> Более утончённое решение предполагает одновременное существование множества населённых миров, так что искомая полнота бытия реализуется не в каком–то одном из них, а во всех сразу» (Владислав Дегтярев. Память и забвение руин. М.: НЛО, 2023).
Наиболее значительным трудом XIX века, посвящённым русскому народному фольклору, стали «Поэтические воззрения славян на природу» А.Н. Афанасьева (печатались в 1865—1869 гг.). Фундаментальному исследованию автор посвятил 17 лет. Оно содержит колоссальный эмпирический материал, прежде всего, состоящий из сказок, преданий, мифологических представлений и проч. По мысли А.Н. Афанасьева, миф является древнейшей формой поэзии и коренным образом восходит к объяснению земного начала через призму небесного. Современники, а затем и фольклористы XX века, много критиковали подход Афанасьева и его способ интерпретации исторических корней исконной русской мифологии и сказки. Мы не будем очерчивать весь круг спорных моментов, но обратимся к поэтическому толкованию исследователя отдельных слов и понятий. Так, Афанасьев пишет: «В памятниках устной народной словесности слышится образность выражений: пробежь ― проточная вода, леи (от глагола лить) ― проливные дожди, сеногной – мелкий, но продолжительный дождь, листодер ― осенний ветр, поползуха ― мятель, которая стелется низко по земле, одран ― тощая лошадь, лизун ― коровий язык, куроцап ― ястреб, каркун ― ворон, холодянка ― лягушка, полоз ― змей, изъедуха ― злобный человек и т.д» (Цит. по А.Н. Афанасьев. Сказка и миф. Воронеж, 1864).
Подобная поэтизация языка хорошо соотносится с образным характером, присущим пейзажному жанру и, в частности, работам Дмитрия Макушина. Автор характеризует своё творчество как «трансляцию определённого состояния». Он изображает преображённый мир, живой и играющий, в котором «границы предметов размываются и начинает проступать другой, более подлинный слой бытия».
Книга Б.Р. Рыбакова «Язычество древних славян» ― не менее известный труд по архаическим воззрениям русских народов. Он раскрывает древнейшие системы мировоззрений, связанных с природными силами: дуалистический анимизм (культ вампиров и берегинь), культ божеств плодородия (Рода и рожаниц), а также, дружинный культ Перуна (повелителя молний и огня), сменяемый христианством. Рыбаков вводит и раскрывает в рамках своего исследования термин «глубина памяти». В частности, он пишет: «глубина народной памяти измеряется десятками тысячелетий» и далее отмечает, что «трудно уловить тот исторический момент, когда исчезает содержание того или иного символа и когда начинается бессознательная традиция, сохранение одной внешней формы без знания смысла изображаемого» (Б.Р. Рыбаков. Язычество древних славян. М.: Наука, 1980). Устойчивая система визуальных символов, архаических орнаментов, отражённая в древнейших артефактах, созданных человеком, пронизывает, по мысли Рыбакова, историю со времён палеолита и сохраняется, частично или фрагментарно, в некоторых предметах народного искусства. В продолжение начатых ранее рассуждений о словах–образах, добавим, что изустная система мифологических, а затем и сказочных представлений, так же протягивается в глубину веков, формируя ту самую совокупную глубину памяти народа, людей.
Слово, как языковая структура, несущая в себе объёмный образ, играет важную роль в творчестве Макушина. Так, название каждой картины даёт чёткое обозначение состоянию или явлению, созданному живописными средствами. Например, картины «Здесь что-то странное, я остаюсь» (2021), «Солнечный зайчик» (2024), «Мерцание ночного воздуха» (2021) и т.д. Здесь можно остановиться и прислушаться к собственному потоку ассоциаций, которые возникают при осмотре изображения.
Ёсикадзу Накамура, филолог–русист, среди прочего, перевёл на японский язык такой памятник русской словесности как «Слово о полку Игореве» и сборник сказок А.Н. Афанасьева. Имея ввиду собственное сказочное наследство японцев, Накамура отмечал немало общего с русскими сказками: почти всегда в конце одерживают верх добрые силы и хорошие качества человека, такие, как доброта, благородство, отзывчивость, храбрость, терпеливость, честность, великодушие, находчивость и, самое главное, любовь. Кроме того, и там, и там, прослеживается связь с природными силами и стихиями.
Знаменитый японский режиссёр Хаяо Миядзаки во всей полноте обращается к устойчивой образной системе, относящейся к мифологии синто. Например, в мультипликационном фильме «Принцесса Мононокэ» (1997) автор изображает лесных духов–кодама. «Мононокэ» же обозначает демона, фантом, это сила, всегда враждебная по отношению к человеку. В древней и средневековой японской литературе это слово употребляли, чтобы описать необычные и нездоровые состояния, от болезни до ревности.
Творчество Макушина сочетает в себе реальность и глубинный символизм. Здесь уместно говорить о синтезе искусств, поскольку в современном искусстве символизм может существовать не только в живописи, но и в кино, в диджитал–пространстве и т.д. Современный обширный контекст современного искусства — это часть пространства, в котором живёт и творит художник и откуда он, в том числе, черпает образы.
Работы Дмитрия Макушина созданы как бы на стыке разных миров: реального и сказочного. Натурализм повествования и пейзаж чудесным образом сочетаются в рамках ультра–традиционной отечественной школы живописи. Синтезированное пространство ― мир сказки, существует по своим законам, в своих границах, иногда пересекаясь с миром людей. В целом, зритель в какой–то степени готов к встрече с волшебством. Ведь в детстве мама или бабушка читали сказки на ночь, а маленькие мальчики и девочки видели свой, неповторимый мир, где есть место чуду, героям, магическим созданиям и артефактам. Текст в этом отношении ― универсальный медиум, через который каждый читатель или слушатель «смотрит» своё «кино».
Например, при слове «яблоко» все представляют разные яблоки и жар–птица тоже у каждого своя.
Хорошим «тренажёром» для воображения выступает знаменитая «Азбука в картинках» Александра Бенуа.
Дмитрий Макушин ― автор необычный во всех отношениях. Первое, он работает в основном в жанре пейзажа, не слишком популярном на ниве современного искусства. Второе, у него, несмотря на условное определение «молодой художник», свой, устоявшийся художественный язык. И третье, но не последнее, у Макушина редкий дар запечатывать объёмные, многоступенчатые смыслы в свои холсты.
Пейзажи Макушина пронизаны изящными нотами метафор и богатой образностью. Перебирая переливы зелёного, заходя в глубины синего и объёмные пустоты тёмно–коричневого и иногда густо–сиреневого, автор «вынуждает» свои полотна звучать в особой тональности. Всё вместе создаёт впечатление внутренней наполненности и поэтичности образов. Сочетание реальности и сказочности — ключевая черта живописи Дмитрия Макушина. Чтобы глубже понять смысловую природу его произведений, в рамках данного исследования поговорим об особенностях символизма как художественного направления и обратимся к истокам символического языка в искусстве и к сказкам, как пространству метафорического чуда.
После революционного и невероятно витального движения, которое придали художественному процессу импрессионисты, начался новый, другой этап во всеобщей истории искусств. Это время, совокупно всем течениям и направлениям, во множестве возникшим в художественной среде, носит название постимпрессионизм. Это период множества направлений, среди которых примитивизм, фовизм, кубизм, сезаннизм, пуантилизм, символизм. Последний характеризуется стремлением художников выражать непостижимое через намёк, интуицию, поэтический образ. Направление носило глобальный характер и охватывало литературу, живопись и музыку, прибегало к использованию образов, скрывающих глубокие эмоции, сакральные идеи и тайные смыслы.
Приёмы символизма хорошо знакомы зрителю по работам известных художников рубежа XIX–XX вв. Среди них М.А. Врубель, П.В. Кузнецов, Н.К. Рерих, К.А. Коровин ― каждый из указанных мастеров в различной степени прикасался к символизму, пробовал его «на вкус» и цвет. Например, К.А. Коровин захватил символизм «по касательной». Он, конечно, больше известен тем, что называется русским импрессионизмом. В 1890–е гг. Коровин совершает поездки на север (Норвегия, Архангельская губерния, Белое море), что нашло отражение в таких его работах как «Белая ночь в Северной Норвегии» (1890–е. Холст, масло. ГРМ) или «Киты (Скалы на берегу моря)» (1899. Холст, темпера. ГРМ).
Эссе для выставки «Трансляция Макушина»
Место: галерея L.E. Gallery, Санкт-Петербург
Даты: 29.08.2025 — 29.09.2025
«Символизм и сказочная символика в творчестве Дмитрия Макушина»
